A una semana que se anunciaba deprimente se une ahora la triste noticia de la muerte de Antoni Tàpies. Un genio de nuestro pais que ha revolucionado el arte contemporaneo y que nos deja huerfanos de su obra y de su pasión.
“La obra de Antoni Tàpies está dentro de la tradición de estas explosiones que de tiempo en tiempo se producen en nuestro país y que conmueven tantas cosas muertas. Es auténticamente barcelonesa con irradiación universal. Por esto merece toda mi admiración”.
Joan Miró
Desde noviembre de 2010, cuando se consagró el templo de la Sagrada Familia, ya se puede visitar su interior y admirar uno de los lugares mas alucinantes creados por la mano del hombre. Sin duda la obra de Gaudi traspasa los lindes de su fe, para convertirse en un icono del arte, de la arquitectura y de la naturaleza reflejado en un templo de una belleza sublime.
Cuando traspasamos las puertas, y penetramos en la nave, nos parece recorrer un bosque primordial. Un caleidoscopio de simetrias imposibles abarca una visión que nos lleva a mirar hacia arriba. Siempre hacia arriba, en un mudo acto de reverencia y admiración por la belleza que contemplamos. Por la contemplacion de la gracia del bosque original que nos lleva a un cielo de luz.
Una belleza sobria, diáfana, contenida en su expresión pero poderosa en su concepción. Hay detalles que parecen salidos de obras de arquitectura contemporanea, otros parecen recordarnos los usos de la edad media. El conjunto se abre a nuestros ojos, con mucho que explicar y recordar. Nos pide una mayor concreción. Un mayor esfuerzo para entender la pasión que esconde cada capitel, cada columna, cada pieza arquitectonica.
Soberbio sería una descripción banal. Siglos venideros le darán la dimensión que se merece. Me parece una joya arquitectonica recien iluminada. Un paseo sutil sobre una caligrafia hecha de piedra pulida. Las fotos no le hacen justicia, hay muchas imagenes mas, que escapan al querer atraparlas. Que se desvanecen entre las luces del templo.
¿Cuanto tiempo aguantaran esas columnas de porfirio? ¿Cuantos miles de años deben resistir? Esta previsto acabar las obras allá en el 2030. Tal vez lo veamos, tal vez no. El templo se erguirá magnifico como un faro. El tunel del ave, discurre cerca y sus vibraciones estaran allí, dia a dia. Mientras tanto, y hasta que finalicen las obras, acceder a la nave central cuesta 13 €.
Demasiado dinero si esperas volver cada semana o cada dia para ver la obra de Gaudí. Ese genio que nos envia su legado desde el siglo XIX. Nunca nada tan viejo, fue tan moderno. Si vivis en Japón y leeis esto, ya sabeis lo que debeis hacer. Sentis una llamada irrefrenable para vislumbrar algo que se escapa a la comprensión. Solo debeis venir y comtemplar el vacio luminoso del bosque, entre los arboles, sus ramas, las hojas …
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Desde los profundos años 80’s recuperamos esta pagina de la Valentina de Guido Crepax. Un comic icónico que nos subyugaba. Valentina se paseaba desnuda por las paginas de la revista TOTEM, en este caso el numero veintidos. Y desplegaba todos sus fetichismos mientras se enfrentaba a la maga Baba Yaga.
Me pregunto, para cuando podremos ver aquellas revistas de comics de aquellos años escaneadas para su disfrute en la red o en la tableta. ¿Es que no hay alguien que haya visto el potencial? Yo tengo toda la colección, salvaguardada en mi capsula temporal, pero mi vista se hace cada vez mas borrosa, el papel amarillea, y por mas que lo intento, no puedo agrandar las viñetas…
Los cuadros de Norman Rockwell (1894-1978) fueron reconocidas y amados por todos en los Estados Unidos. Las portadas del The Saturday Evening Post fueron su escaparate durante más de cuarenta años, dándole un público más amplio que el de cualquier otro artista en la historia. Durante los años que produjo su obra, nos muestra una colección única de la cultura americana, una serie de pinturas de calor notable y fino humor. Además, pintó un gran número de imágenes para la historia de las ilustraciones, las campañas de publicidad, carteles, calendarios y libros.
Como su contribución personal durante la Segunda Guerra Mundial, Rockwell pintó el famoso «Cuatro Libertades» cartel, que simbolizó para millones de personas, los objetivos de guerra según los describió el presidente Franklin Roosevelt. Una versión de su pintura «libertad de expresión» está en la colección del Museo Metropolitano de Arte.
Rockwell dejó la escuela secundaria para asistir a clases en la Academia Nacional de Diseño y más tarde estudió con Thomas Fogarty y George Bridgman en la Art Students League de Nueva York. Sus primeras ilustraciones fueron realizadas para la revista San Nicolás y para otras publicaciones juveniles. Vendió su primera portada para el Post en 1916 y terminó haciendo más de 300 más. Los presidentes Eisenhower, Kennedy y Johnson posaron para él en sus retratos, y pintó otras figuras del mundo, incluyendo Nassar de Egipto y Nehru de la India.
En 1957 fue citado en la Cámara de Comercio de los Estados Unidos en Washington como un Great Living American, señalando que … «A través de la magia de su talento, la gente de alrededor – sus suaves penas, sus modestas alegrías – han enriquecido nuestras vidas y nos ha dado una nueva visión de nuestros compatriotas «.
El Museo Norman Rockwell en Stockbridge, Massachusetts ha creado una gran colección de sus pinturas, y ha conservado tambien el último estudio de Rockwell.
[Estudio preliminar para la «libertad de expresión», 1942.
Esta obra estableció un récord de subasta en 407.000 dólares.]
¿Conoceis el blog de Amaia Arrazola? Es una ilustradora de Barcelona que me gustaria presentaros. Desde el diseño de su blog, pasando por sus dibujos, iniciativas, exposiciones y locuras mil, todo lo que hace y el esfuerzo que le pone, me parecen fascinantes.
Atras quedaron el genio de Mariscal y sus Garriris, hoy me quedo con Amaia. Gracias a su blog, descubro CARGO. Un site con diseños novedosos para publicar contenido original y artistico(creo). He enviado una solicitud, aunque solo seamos humildes amateurs, nuestras fotos se merecen codearse con los mejores. Nosotros queremos trascender. Lo malo es que estamos muy ocupados.
Gertrude Stein fué una figura clave del ambiente artístico y literario de su tiempo. A través de un estilo marcado por repeticiones de palabras quiso traducir a la literatura el cubismo de la pintura abstracta. Sin embargo, críticos como Ernest Hemingway le reprocharon haber rehuido el esfuerzo de corregir minuciosamente sus textos y de posteriormente mejorar su calidad literaria. Con sus escritos, Stein pertenece al movimiento vanguardista del siglo XX. Su frase «Rose is a rose is a rose»(traducida habitualmente como «una rosa es una rosa es una rosa», parte del poema «Sacred Emily» contenido en el volumen «Geography and Plays», de 1913) acuñó su propio estilo, llamado «Litismo», una especie de tautología verbal.
Residente en Francia desde 1903, su casa se convirtió en centro de reunión de los movimientos de vanguardia con mayor influencia en las artes y las letras del siglo XX. En 1925 obtuvo notoriedad con Ser norteamericanos. Su obra, que abarca el ensayo, la autobiografía, la poesía y el teatro, se caracteriza por un alto nivel experimental y se la considera una renovadora del género memorialístico por textos como la Autobiografía de Alice B. Toklas (1933), y la Autobiografía de todo el mundo (1937). Fue una mujer de fuerte personalidad, feminista y lesbiana, que convivió más de 25 años junto a su pareja Alice B. Toklas (30 de abril de 1877 – 7 de marzo de 1967).
El Retrato de Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum, Nueva York) marca el final del período rosa y el comienzo de una nueva época. Picasso lo había iniciado en primavera, pero no estaba satisfecho con él y, después de más de ochenta sesiones, lo dejó inconcluso. Tras las vacaciones de verano, pasadas en Gósol (Lleida), inesperadamente y sin modelo, modificó el rostro y lo dio por concluido. La dureza de los rasgos de la cara de Gertrude Stein en este retrato marca la transición de la época rosa hacia el incipiente cubismo. Parece que Picasso recibió muchas críticas por este cuadro, pero su respuesta se ha hecho célebre: «Todos creen que no se parece en nada a su retrato; pero no os preocupéis, al final logrará parecerse exactamente a él.» Lo que quería decir Picasso es que el arte modifica los hábitos perceptivos, siendo la familiaridad con el código de representación lo que permite establecer una identidad entre la imagen y su modelo. La anécdota ilustra las palabras de Apollinaire cuando afirmaba: «Los poetas y los artistas determinan de común acuerdo el aspecto de su época, y el porvenir dócilmente se amolda a sus deseos.» Efectivamente, hoy nos resulta difícil no reconocer en el cuadro a Gertrude Stein.
Fuentes: Wikipedia y Biografias y Vidas. La foto es la que hice del cuadro en el MET en 2008.
Si visitais Estambul, no dejeis de ver este museo. No es el Louvre ni el Metropolitan, pero con lo que no pudieron saquear las potencias coloniales, ha quedado un magnifico museo que recorre la historia de las civilizaciones que hallaron cobijo y prosperidad en estas tierras.
Situado en los jardines externos del palacio de Topkapi, el museo fué fundado como museo imperial. Se inauguró en 1891 en el edificio principal bajo la dirección del pintor y arqueólogo Osmán Hamdi Bey. El museo pronto incrementó sus colecciones con fondos provenientes de todo el Imperio otomano.
La construcción del edificio principal se inicia en 1881 siendo su arquitecto Alexander Vallaury. En 1991 se amplió el recinto con un nuevo edificio de cuatro plantas.
La colección del museo abarca unas veinte salas distribuidas a lo largo del edificio antiguo y las cuatro plantas construidas en la década de los 90. Estas salas están divididas en las siguientes galerías:
– Arqueología clásica: situada en el edificio principal del complejo destacan las siguientes obras: Estatua de Marsias, Estatua y busto de Alejandro Magno, Sarcófago de las Plañideras y Sarcófago de Alejandro Magno una de las piezas más importantes del museo. Este grupo de sarcófagos fue encontrado en Sidón (actual Líbano).
– Colección tracia, Bitinias y bizantinas: Situada en la planta baja del edificio de 1991.
– Estambul a lo largo del tiempo: Situada en el primer piso del nuevo edificio destaca el mosaico del icono de la presentación del siglo VI-VII.
– Anatolia y Troya: En el segundo piso del edificio nuevo contiene obras de esta zona de Turquía. Se exponen algunas de las piezas del tesoro Schliemann.
– Culturas adyacentes a Anatolia: Se muestran diferentes objetos de las zonas cercanas al sur de Turquía como por ejemplo Chipre, Siria o Palestina. Se pueden ver unos relieves funerarios sirios, el calendario de Gezer y la reconstrucción de un mausoleo descubierto en Palmira.
– Museo del antiguo oriente: Destaca la tablilla del Tratado de Qadesh.
– Azulejos y cerámicas Turcas: Instalado en el Pabellón Çinilli destaca el Mihrab Karaman, mihrab azul recubierto con azulejos.
En el patio exterior se puede contemplar el Sarcófago de pórfido (siglos IV-V) en el que se enterraron los primeros emperadores bizantinos.
Hace pocos dias, encontré este blog, navegando por el meneame. Aunque ahora, una busqueda elaborada no me da ningún resultado. Tal vez fuera un link perdido o equivocado o un error del explorador lo que me llevó a descubrir a Zindo & Gafuri.
Ya desde la primera imagen de Chiho Aoshima, que te sacude la mente, sientes la necesidad de guardar el pequeño tesoro que has hallado. Son pequeños poemas y fotografías de diversos autores habilmente combinados. Una colección de posts del 2008 que sin duda componen un legado primordial donde podrás encontrar algo que te llene el alma.
Llevo varios dias con él, y espero que me dure un poco mas. La pena es que no aprecio ningun movimiento desde el fatídico año 2008. Parece un blog abandonado mas, pero tal vez solo esta esperando a que lo revivamos con nuestras visitas.
Poesia sutil que te envuelve y te transporta y pequeñas muestras de arte visual, habilmente seleccionadas. Enjoy.
Cuando__Vera___Williams___se___enteró
__________de____que___tenía
hongos___salvajes,
_________les___dijo____a___sus__hijos
___que___no____los___tocaran_
__________porque___eran___todos
___venenosos.
__________Algunos___días___después
________compró____bifes
__en____Martino’s___________y
decidió___servirlos
__cubiertos___con____hongos.
_________________Cuando
empezó___a____cocinar____los____hongos,
_____________________los____chicos
___dejaron____de____hacer____lo
_que____estaban____haciendo________y
___la___miraron____atentamente.
_____________Cuando____sirvió
__la___cena,
todos___se__pusieron___a____llorar.
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indeterminacy
(an accompaniment to a Merce Cunninghan dance)
versión patricio grinberg
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Para aquellos momentos de aburrimiento pertinaz. Para cuando oyes a los grillos, en vacaciones. O para cuando tu mente ya no acepta nada mas. Un poco de inocente y relajante pasatiempo. Escribe tu nombre o el texto que desees y genera tu pintura china.
Wabi-sabi es un termino estético japones que describe objetos o ambientes marcados por la simplicidad y que pueden alcanzar la belleza pese a su imperfección. La naturaleza no es perfecta.
Esta corriente japonesa esta basada en la fugacidad e impermanencia. Nada es permanente porque todo está en proceso, todo en la vida nace y muere.
El wabi-sabi se asocia bien con el arte primitivo, o sea, objetos toscos, simples, sin pretensiones y hechos a partir de materiales naturales.
El wabi-sabi sugiere que la belleza es un acontecimiento dinámico que se produce entre uno mismo y algo más. Es la sensación que nos producen los objetos que envejecen con el uso y que parecen tener alma. Richard R. Powell dice que el wabi-sabi aprecia todo lo que es auténtico reconociendo tres sencillas realidades: nada dura, nada está completado y nada es perfecto.
El Wabi-sabi es una actitud, que mediante la contemplación de las cosas simples e imperfectas, busca alcanzar paz y armonía interior. LLevar una vida wabi-sabi requiere algunos esfuerzos y también algunas decisiones difíciles. El wabi-sabi reconoce que es tan importante saber cuando elegir, como saber cuando «no» elegir: dejar que las cosas ocurran. Incluso en el nivel más austero de existencia material, seguimos viviendo en un mundo de cosas. El wabi-sabi trata sobre el delicado equilibrio entre el placer que nos proporcionan las cosas y el placer que conseguimos al liberarnos de ellas.
Un hogar wabi-sabi comporta sencillez, un espacio acogedor, íntimo donde se aprecia el paso del tiempo y unos objetos fabricados manualmente y gastados. El wabi-sabi necesita la patina de los años, pero no significa deterioro, se han de reparar las cosas que lo necesitan.
La naturaleza es esencial en un ambiente wabi-sabi. Esto quiere decir alfombras de cáñamo, muebles de bambú, cortinas de algodón, siempre materiales naturales y simples.
Wabi-sabi son formas irregulares y asimétricas. Es ir un paso más allá de lo convencional para sentir la belleza de los objetos aparentemente feos.
Las casas wabi.sabi son tranquilas y relajantes, envolventes y uterinas. Son un mundo aparte: ningún lugar, cualquier lugar, todos los lugares.